*The original interview done in Portuguese can be found below.
In January 2022, I had the pleasure of meeting Maria Fernanda Paes de Barros, Brazilian artist and designer, and creator of Yankatu in her São Paulo Studio. Maria Fernanda has a deep passion for Brazilian traditions and craftwork, and by immersing herself in different native and indigenous communities around Brazil she creates collaborative art and design pieces with many artisans. When in contact with her pieces you can feel the life and soul behind them, each with its unique stories and traditions. Now we can hear from her firsthand about some of her inspirations, specific projects, and challenges faced as a woman working in arts and design in Brazil.
Giovanna Pedrinola: Tell me a little bit about your work…
Maria Fernanda: I am extremely passionate about Brazilian cultural traditions. I believe in their potential and understand that we know and understand little about them, especially about the people behind so much ancestral knowledge.
Craft is culture. It is born full of meaning, with whys. It reflects part of our history. It lives in harmony with the nature that surrounds it. It translates feelings and emotions. Through a careful approach, full of respect and admiration, I seek each day to understand a little more about this fascinating universe and about the incredible artisans that translate it through their hands.
Through my work, I seek to present the endless possibilities of Brazilian craft, be it in design, art, fashion, anyway… I seek to change the public’s view regarding them. Instead of adapting the artisan’s technique to fit into the current market’s aesthetic, I want to show the beauty of the traditional craft, exactly as it is, and with this reinforce every artisan’s self-esteem and sense of value. An example is the braiding of the tucumã straw, dyed with natural pigments prepared by the riverside community of Urucureá, a beautiful, resilient, and sustainable material that had not yet been used on furniture. The traditional mandala sold as a placemat became the back of the Cocar Chair, and its stunning graphics became benches and tables for the Palafitas series.
GP: How does your work relate to textiles and weaving?
MF: My work does not focus on a specific technique, instead, every year I try to work with different artisans and techniques, constantly learning. There are numerous traditional crafts in Brazil related to weaving. Since 2014, when I created Yankatu, I have worked with manual looms, natural dyes, organic cotton, embroidery, crochet, fabric yo-yos, and so on. But I don’t just focus on what we are in some ways used to, I like to think outside the box. I have created a skirt out of crêpe paper with D. Lilia who makes crosses with these traditional materials from Tiradentes, Minas Gerais; with the help of Kulikyrda Mehinaku, I made a color sample card from tree husks and leaves used in the construction of the Mehinaku’s ocas; in Alto Xingu, I learned from the women in the Kaupüna how to weave a traditional mat made with buriti stalks and cotton yarn. In a recent collaboration with fashion designer Douglas Tavares, I created a skirt from a traditional Mehinaku hammock made by Kayawalu Aweti, with the buriti threads that she picks, cleans, and prepares for weaving.
GP: What do you wish to say/share through your work?
MF: My intention is always to broaden horizons, for the artisans and for the public. With the artisans, I aim to develop methods to help them feel safer and more confident about their value, the value of the traditions that they master, and their creative potential. Together with the market, I strive to show that Brazilian craft can be everywhere, that it is beautiful where it’s made, at a beach house, at a luxurious apartment, and at a 6-star hotel. Brazilians are unaware of the wealth of culture they have and when they learn about it, the tendency is to devalue it. I believe this is a cultural issue that results from the ways in which the country was colonized.
Through the pieces that I create, I want to tell stories, I want to help these traditions to be passed on from generation to generation not only in the small communities that keep them alive but also in large urban centers. I believe that by taking a piece of craft into a home, we can spike a child’s curiosity and a person’s interest, when in contact with it, in learning about its materials, techniques used, origin, and stories of people behind it.
GP: How does your creative process work?
MF: I usually say that when I am going to meet an artisan, community, or village, I free myself from everything I know, I go “naked”, like a blank sheet of paper, ready to absorb all the sensations, sounds, aromas, colors, and teachings. I like to live the community’s daily life, hear stories, learn whatever they want to teach me, share moments. I photograph everything that catches my attention, even if it’s only a stain on the ground. I have no filters or preconceptions.
When I get back home, I put on paper all the emotions I experienced, I write whatever my heart tells me and I begin to sketch from photos and sensations. The sketches little by little take form and freely find their path until I reach a point where I stop and observe what has been done. At that point, I begin a process of understanding what will become an art piece and what will become a design piece (always with soul!)
GP: What motivates you the most to create and work in a certain medium?
MF: To this day, I have never chosen what materials I am going to work with. It’s from the contact with the artisan, the region and the techniques they work with that something attracts my eyes, touch, and awakens my imagination. In 2018 I created the Artesãos Collection, inspired by and showcasing works by five artisans from Tiradentes, MG. I embroidered glass with D. Maria da Conceição, created a light fixture and a skirt made of crêpe paper with D. Lilia Fonseca, worked with late baroque carvings by Rodinelly Santos, and inspired by Moroccan light fixtures Wagner Trindade’s brass to create the Relicário Mirror, I created a table made of solid jequitibá wood surrounding a soapstone sculpture made by the artisan Expedito Jonas de Jesus. It was interesting that when I launched the collection, everyone would ask me which piece I had created, and I would answer “all of them”. Even I was surprised when I realized what I had done.
Skirt made of crêpe paper with D. Lilia Fonseca
GP: Based on your research, studies, and collaborations with artists and artisans from across Brazil, would you say there is a “women’s work”, or work done exclusively by women? If yes, why do you think this is the case?
MF: This is a very interesting question. I don’t believe there is a “woman’s work'' or “man’s work”, but clearly there is work where the woman’s presence is significantly bigger, which is the case for the braiding of the tucumã straw from the riverside community of Urucureá, in Pará. Although I don’t remember the exact number of artisans, there were at least 36, and only 2 of those were men.
Differently in the Kaupüna community, of the Mehinaku people, there is a separation of works. Among other things, men make bows and arrows, solid wood benches, and large baskets to collect yuca, while women make hammocks with buriti stalks, normally interwoven with cotton threads. There is no discrimination, but instead an ancestral tradition. In fact, in 2020 I created the Kaupüna swing together with them, where I joined the structure of the butiriti string hammock with the solid wood seat marked with their traditional graphics – according to Kulikyrda Mehinaku, creating a “new indigenous product”, where for the first time in the history of their people, the works of both women and men artisans met.
GP: As a Brazilian artist and designer, have there been situations where you felt that your work and/or story were not portrayed accurately, or were left untold? Have you ever seen this happen to other women designers, artists, and artisans?
MF: Unfortunately, yes, I experienced prejudice for working with craftwork, for being a woman, and now for working with the indigenous culture. When I first started this work, the biggest prejudice was for the integration of craft into furniture design. People were mesmerized as they approached each piece, they would ask what it was, and when I began telling the story behind the piece they would literally walk back. I even heard once that my work was incredible, but if I wanted to take it forward, I should not say that the ceramic piece that was part of a design piece was a craft traditionally from the Vale do Jequitinhonha.
And not going back long, at the beginning of 2021, I was invited to join a group of designers that would develop pieces with the furniture industry to present to the world a “Brazilian design”. I was the only woman in the group, so I took on even more responsibility to show our potential, but even before starting, I was cut from the group without warning or explanation. I only learned that I had been cut when the list of collaborating designers/industries was sent in a whatsapp group and my name was not on it. A few hours later they contacted me saying that the industry that would work with me was apprehensive and chose a different designer. They even had the guts to email me saying I was still part of the team and that I was the “rookie” of Brazilian design.
Sometime after, unbelievably, I heard that it would be very difficult for me to make it as an artist since I was strongly influenced by the indigenous culture and most people associate the indigenous people with low quality.
GP: Is there anything else you would like to tell us about your story and/or work?
MF: That despite all the difficulties I have not given up, because I’ve always had a purpose that is way bigger than art or design, which is to generate visibility for artisans and native peoples and show the world that yes, it is possible to unite tradition and contemporaneity, in a sum where all identities remain, with mutual admiration and respect, causing impacts, even if not measurable, in all steps of the process.
I would like to thank Maria Fernanda for sharing her story with us and for her extremely valuable and beautiful work! This interview contextualizes, for me, the ways that craft, gender, and design intersect and it will be interesting to observe what the next generation of artisans and designers does for the field of furniture. You can keep up with her projects through her website and Instagram.
Giovanna Pedrinola is an artist born in São Paulo, Brazil and currently living in New York City. Her most recent mixed media works explore connections between the physical body and the subconscious mind in an attempt to comprehend our existence. This combined with her fascination with ancient traditions, architecture, dance, music, textiles, rituals, and cosmology, generates continuous research currently archived as text and images.
[Original Interview in Portuguese]
Em Janeiro de 2022, eu tive o imenso prazer de encontrar com a artista e designer Brasileira, e criadora da Yankatu, Maria Fernanda Paes de Barros, em seu estúdio em Jundiaí, São Paulo. A Maria Fernanda é apaixonada pelas tradições e pelo artesanato Brasileiro, e por isso ela se imerge em diferentes comunidades indigenas e nativas, e cria peças de arte e design em colaboração com os artesãos. Suas obras virbam com vida e alma de forma tangível, cada uma com suas histórias e tradições. Agora podemos ouvir um pouco da Maria Fernanda sobre suas inspirações, projetos específicos, e obstáculos que ela enfrenta como uma mulher trabalhando no mundo da arte e do design no Brasil.
Giovanna Pedrinola: Me conte um pouco sobre o seu trabalho…
Maria Fernanda: Sou apaixonada pelas tradições culturais brasileiras. Acredito no seu potencial e entendo que pouco conhecemos e entendemos sobre elas e principalmente sobre as pessoas por trás de tanto conhecimento ancestral.
Artesanato é cultura. Ele nasce carregado de significados, de porquês. Ele reflete parte da nossa história. Ele vive em sintonia com a natureza ao seu redor. Ele traduz sentimentos e emoções. Por meio de um olhar cuidadoso, cheio de respeito e admiração, busco a cada dia entender um pouco mais sobre esse universo fascinante e os artesãos incríveis que o traduzem através das mãos.
Busco com o meu trabalho apresentar suas inúmeras possibilidades do artesanato brasileiro seja no design, na arte, na moda, enfim... busco mudar o olhar e a percepção do público para com ele. Ao invés de adaptar a técnica do artesão ao gosto do mercado eu quero mostrar a beleza da tradição exatamente como ela é, buscando com isso também reforçar a autoestima e o valor do artesão brasileiro. Um exemplo é o trançado de palha de tucumã com tingimento natural feito na comunidade ribeirinha de Urucureá, um material resistente, belo, sustentável que ainda não havia sido aproveitado para o mobiliário. A tradicional mandala vendida como descanso de prato tornou-se o encosto da Cadeira Cocar e a beleza de seus grafismos tornaram-se bancos e mesas da série Palafitas.
Meu propósito é o que me move, sou apaixonada pelo que faço.
GP: Como que o seu trabalho está relacionado aos tecidos ou à tecelagem?
MF: Meu trabalho não enfoca uma técnica específica, ao contrário, a cada ano busco trabalhar com artesãos e técnicas diferentes, vivendo um aprendizado constante. A quantidade de tradições artesanais no Brasil ligadas à tecelagem é imensa. Desde de 2014 quando criei a Yankatu já trabalhei com tear manual, tingimento natural, algodão orgânico, bordado, crochê, fuxico e por aí afora. Mas não me atenho apenas aquilo que de alguma forma já estamos acostumados, gosto de pensar fora da caixa. Já criei uma saia de papel crepom com a D. Lilia que faz cruzes com esse material tradicionais de Tiradentes, MG; com a ajuda do Kulikyrda Mehinaku criei uma cartela de cores a partir de cascas e folhas das árvores utilizadas na construção das ocas pela etnia Mehinaku, no Alto XIngu, aprendi com as mulheres da aldeia Kaupüna a tecer uma esteira tradicional com talos de buriti e fios de algodão e recentemente em parceria com o estilista Douglas Tavares criei uma saia a partir de uma rede tradicional Mehinaku feita pela Kayawalu Aweti com fios de buriti que ela mesmo colhe, limpa, prepara e tece.
GP: O que você deseja falar/compartilhar através do seu trabalho?
MF: Meu intuito é sempre ampliar horizontes, para os artesãos e para o público em geral. Com os artesãos busco desenvolver um trabalho que o torne mais seguro e confiante do seu valor, do valor da tradição que ele domina e também do seu potencial criativo. Junto ao mercado busco mostrar que o artesanato brasileiro pode estar em qualquer lugar, que ele é lindo lá onde ele é criado, em uma casa de praia, em um apartamento de luxo e em um hotel 6 estrelas. O brasileiro desconhece a riqueza que possui e quando conhece tem a tendência de desvalorizar, acredito que isso é uma questão cultural resultado da maneira como o país foi colonizado.
Através das peças que crio eu quero comunicar histórias, quero colaborar para que a tradição passe de geração em geração não apenas na comunidade que a mantém viva, mas também nos grandes centros. Acredito que ao levar uma peça artesanal para casa podemos despertar a curiosidade das crianças e o interesse das pessoas que entram em contato com ela em saber mais sobre o material, a técnica, a região e a pessoa que estão por trás de tudo isso.
GP: Como que funciona o seu processo criativo?
MF: Eu costumo dizer que quando vou entrar em contato com um artesão, comunidade ou aldeia, me dispo de tudo o que sei, vou "nua", como uma folha em branco, pronta para absorver todas as sensações, sons, aromas, cores e ensinamentos. Gosto de viver o dia a dia da comunidade, ouvir as histórias, aprender o que quiserem me ensinar, compartilhar momentos. Fotografo tudo que me chama a atenção, mesmo que seja apenas uma mancha no chão. Não tenho filtros ou pré conceitos.
Quando retorno coloco no papel todas as emoções vividas, escrevo o que meu coração manda e começo a rabiscar a partir das fotografias e das sensações. Os rabiscos vão aos poucos tomando formas e encontram com liberdade seu caminho até que chega um momento em que paro e observo o que foi feito até ali. Nesse ponto inicio um processo de entendimento do que se tornará uma obra de arte e do que se tornará uma peça de design (sempre com alma!)
GP: O que mais te motiva para criar e trabalhar com certos materiais?
MF: Até hoje não escolhi o material com o qual iria trabalhar. É no contato com o artesão, a região e as técnicas que eles trabalham que algo me atrai o meu olhar, o meu toque e desperta a imaginação. Em 2018 criei a coleção Artesãos, inspirada e inserindo o trabalho de cinco artesãos de Tiradentes, MG. Bordei vidro com a D. Maria da Conceição, criei uma luminária e uma saia com a D. Lilia Fonseca e o papel crepom, trabalhei com o entalhe bem Rococó do Rondinelly Santos, me inspirei nas luminárias marroquinas e no latão do Wagner Trindade para criar o Espelho Relicário e criei uma mesa em jequitibá maciço em torno de uma escultura de pedra sabão feita pelo artesão Expedito Jonas de Jesus. Foi interessante que, quando lancei a coleção, todo mundo me perguntava qual peça era minha criação e eu respondia "todas". Até eu me espantei quando me dei conta do que havia feito.
GP: Com base em suas pesquisas, estudos, colaborações e convivência com artesãos e artistas pelo Brasil, você diria que existe um "trabalho da mulher" ou trabalhos feitos exclusivamente por mulheres? Se sim, por que você acha que esse é o caso?
MF: Esta é uma pergunta muito interessante. Eu não acredito que exista um "trabalho de mulher ou de homem", mas claramente há trabalhos onde a presença da mulher é estarrecedoramente maior, como é o caso do trançado de palha de tucumã da comunidade ribeirinha de Urucureá, no Pará. Lá não me lembro ao certo o número de artesãos, mas podemos dizer que de pelo menos 36, apenas 2 eram homens.
Já na aldeia Kaupüna, da etnia Mehinaku, há uma separação entre os trabalhos. Entre outras coisas, os homens fazem arco e flecha, bancos em madeira maciça e cestos grandes para coleta de mandioca, já as mulheres fazem redes com fios de buriti, esteiras e cestos menores com talos de buriti, normalmente entremeados com fios de algodão. Não há uma discriminação, mas sim uma tradição ancestral. Tanto que em 2020 criei com eles o Balanço Kaupüna onde uno a estrutura da rede com fios de buriti e o assento em madeira maciça com grafismos, criando segundo Kulikyrda Mehinaku um "novo produto indígena" onde, na primeira vez na história da etnia, os trabalhos artesanais dos homens e das mulheres se encontram.
GP: Sendo uma designer e artista no Brasil, já houve situações nas quais você sentiu que o seu trabalho e/ou história não foram retratados corretamente, ou foram ocultados? Você já viu isso acontecer com outras mulheres designers, artistas e artesãs?
MF: Infelizmente sim, sofri preconceito por trabalhar com artesanato, por ser mulher e agora também pelo meu envolvimento com a cultura indígena. No início do meu trabalho o preconceito maior era por trazer o artesanato para dentro do mobiliário. As pessoas se aproximavam das peças encantadas, perguntavam o que era, mas quando eu começava a contar a história do artesanato as pessoas literalmente davam ré. Cheguei a ouvir que meu trabalho era maravilhoso, mas que se quisesse ir em frente eu não deveria dizer que se a cerâmica que fazia parte da peça era um artesanato tradicional do Vale do Jequitinhonha.
E não indo muito longe, no início de 2021 fui convidada para fazer parte de um grupo de designers que iriam desenvolver peças junto à industria moveleira para apresentar para o mundo um "design brasileiro". Eu era a única mulher no grupo, então assumi ainda mais a responsabilidade de mostrar nosso potencial, mas antes mesmo de começar fui cortada sem aviso prévio. Soube do corte quando divulgaram no grupo de whatsapp as parcerias designers/indústrias e notei que meu nome não constava em nenhuma delas. Algumas horas depois entraram em contato comigo dizendo que a indústria que deveria trabalhar comigo ficou com receio e optou por outro designer. Ainda tiveram a audácia de me escrever um email dizendo que eu ainda fazia parte, que eu era a "mascote" do design brasileiro.
Um pouco depois inacreditavelmente ouvi que seria muito difícil eu me firmar como artista tendo a influência marcante da cultura indígena uma vez que a grande maioria das pessoas associa os indígenas a coisas de baixa qualidade.
GP: Teria mais algo que você gostaria de nos contar sobre a sua história e/ou do seu trabalho?
MF: Que apesar das dificuldades não desisti porque desde sempre havia um propósito que era muito maior que a arte e o design em si, que era gerar essa visibilidade para os artesãos e os povos originários e mostrar para o mundo que é possível sim unir tradição e contemporaneidade, numa soma onde todas as identidades se mantém, com respeito e admiração mútuos, gerando impactos, mesmo que não mensuráveis, em todas as etapas do processo.
Eu gostaria de agradeçer a Maria Fernanda por divider a sua história conosco, e pelo seu trabalho extremamente lindo e valioso! Essa entrevista conextualiza, para mim, as maneiras como o artesanato, gênero sexual, e o design se cruzam, e será interessante observer o que as futuras gerações de artesãos e designers farão na área de design de móveis. Acompanhe os projetos da Maria Fernanda pelo seu site e Instagram.